Estuve leyendo una entrevista que le hicieran Armin Vit y Bryony Gómez-Palacio (de UnderConsideration.com) a Jhoana Mora en el blog/magacín Speak Up, acerca de su conferencia de diseño Esquina Norte, celebrado anualmente en Tijuana. De más está decir que encuentro muy admirable el que una persona sola decida tomar las riendas de un proyecto tan grande y abrumador como lo es una conferencia (de cualquier industria/disciplina/interés especial), en particular cuando se trata de un evento cuyo tema es de índole creativo.

En Puerto Rico no tenemos una gran conferencia de diseño, creo yo. Gráfica del Caribe ofrece algunos talleres/conferencias en su expo anual, pero la mayoría son de índole técnico (y estos, usualmente, redundan en un sales pitch y par de truquitos que bien pudiste aprender haciendo una búsqueda bien ejecutada en la internet) y cuando traen diseñadores a dar una charla, suelen ser del campo de las publicaciones (magacines y periódicos) o la publicidad (let’s face it: graphic design goes way beyond these two slivers of the pie). Es un evento de industria y no de profesión, y como tal no presta mucha atención al desarrollo y discusión de ideas, principios, problemas y demás cuestiones de la profesión/vocación/ejercicio del diseño gráfico, mucho menos del diseño en general. CIRCA, por otra parte, es una expo de arte y cuenta con conferencias, charlas, exhibiciones y eventos satélite que suelen concentrarse en arte más que en diseño (y con toda razón).

Seguramente se me escapan muchísimos eventos pequeños, charlas, exhibiciones y demás encuentros en los que el diseño (en distintas ramas) se luce como tema principal,¹ y no pretendo prestarles menor importancia. Creo que un evento al menos mediano (uno que cuente con algo así como tres mil personas entre conferenciantes, invitados y visitantes) caería bajo otra categoría que estos eventos más pequeños no pretenden satisfacer, una que recoja el espectro del diseño de rabo a cabo (al menos en su mayoría) y ofrezca un diálogo abierto y vasto acerca de estas disciplinas que le dan forma a tantas partes públicas y privadas de nuestras vidas. Es decir: no es que eventos más pequeños no sean lo suficientemente importantes o que sus organizadores no sean capaces, es que no están diseñados para ofrecer un foro abierto a todo el diseño de manera masiva.

Al leer la entrevista a Jhoana Mora, encontré muy refrescante un comentario que hace la organizadora acerca de su manejo del dinero en la realización de esta conferencia: We never have to wonder about money, because there never is any!, dice. Es una exageración, por supuesto; siempre cae algún auspicio para costear misceláneos, y esos conferenciantes de seguro no se pagan su viaje a Tijuana. Pero cabe prestar atención al hecho de que con muy poco esta persona ha logrado montar una conferencia durante seis (y este año, siete) años consecutivos, cada vez con al menos tres mil personas atendiendo al evento. Lo que es más, los precios de entrada son más que razonables. Con la entrada empezando en menos de $150 US ($1500 MX) para diseñadores profesionales (no estudiantes ni profesores; estos pagan aún menos) si se reserva el espacio desde temprano, no hay por qué sentirse como que está haciendo a alguien rico con su asistencia.

Hay otro pasaje que me parece relevante:

Many people wonder why I don’t have a sizable work team like other events, or why I don’t even have an office. The answer is simple and logical: While many people have offered to help, once they discover that there isn’t a lot of money to be made, their enthusiasm fades. […] As for my office, it is anywhere I happen to be with my laptop and cell phone.

La falta de chavos se junta con la falta de gente e infraestructura y tenemos lo que bien podría redundar en otra buena idea echada a perder, excepto que esta vez no. Mora logra montar un evento que cada año atrae a miles de personas locales e internacionales con muchísimos menos recursos que lo que uno consideraría necesario. Cabe mencionar que el gobierno tampoco le ayuda económicamente.

Entonces, debo preguntarme: ¿dónde está la gran conferencia de diseño en Puerto Rico? Considerando que ya hay algunas escuelas (nuevas y viejas) de diseño industrial, de moda y gráfico que se unen a las escuelas de arquitectura y arquitectura paisajista ya establecidas en la Isla, me parece razonable que empecemos a hablar de hacer un evento en Puerto Rico que apele al grueso de profesiones de diseño en nuestro país. No tiene que empezar masivo, así como no tiene por qué costar un montón. Sólo debe ser genuinamente productivo y de naturaleza participacional.

Creo que un evento de esta naturaleza sería un buen paso hacia crear mayor consciencia del diseño en nuestra cultura, y la importancia del mismo en nuestra sociedad. Vivimos en un desfalque severo de diseño en nuestro país, y no es que no lo haya, es que no se atiende, que es peor. No hay una cultura de diseño como la vemos en Argentina, Colombia, Estados Unidos, el Reino Unido, España, etc. Y es lamentable, en particular porque el diseño sí ha tenido un rol importante en el desarrollo de nuestra cultura. Pero actualmente no parece ser parte de nuestra idiosincracia (fuera de ser un vehículo de venta o de status quo, and we don’t always see a very good use of it at that), y creo que hace falta generar presencia para reintroducir el diseño (como solución, como facilitador, como herramienta útil para el mejoramiento de nuestras vidas, y no como un lujo meramente estético o una herramienta de publicidad) a la conciencia colectiva.

Propongo que hablemos de un evento abierto, de bajo costo y que invite a la participación de diseñadores de todo calibre, locales e internacionales, para discutir las cuestiones del diseño, incluyendo aquella cosita que algunos conocen como “The Greater Good” para involucrarnos en un ejercicio de diseño cuyo éxito se pueda medir en otra cosa que no sea una moneda. Creo firmemente que la organización de esfuerzos podría resultar en el crecimiento de nuestra profesión en el ojo público y —¿quién sabe?— quizás hasta eventualmente se logre conseguir eso de “cultura de diseño”.

Eran cerca de las 3 de la tarde, hacía un calor cabrón y el taxista no estaba seguro de la localización de Casa Babylon, a donde me dirigía. Cuando llegamos, me di cuenta que el apuro era innecesario, porque frente al club aun cerrado me encontré con un puñado de jóvenes que cargaban con varios instrumentos; guitarras, teclados y sobre todo computadoras —¡sí, desktops completos!. Eran todos músicos y artistas, y todos se presentarían esa noche en el NIU. El NIU Fest es un evento musical que se celebra cada año en la ciudad de Córdoba, Argentina, y para llegar aquí viajé unas ocho horas en bus desde Rosario, al este del país, donde ya había presentado un concierto en el prestigioso Centro Cultural Parque de España, con mi proyecto musical, llamado Cornucopia.

Ø+yn (Omasín) en el NIU Fest

Cornucopia fué invitado a Argentina por la organización Limb0, dirigida por el amigo y artista Jorge Haro, a quien conozco hace muchos años y quien me invitó personalmente, mientras ambos estábamos de visita por España, en enero de 2005. Limb0 es una organización que se dedica a promover la experimentación dentro de varias disciplinas de arte. La gestión de Haro me facilitó poder tocar conciertos en Buenos Aires (Espacio Fundación Telefónica, Centro Cultural de España en Buenos Aires y Estudio Abierto), Rosario y Córdoba.

En el NIU tuve mi primer contacto con una agrupación de ruido (o “noise”) latinoamericano, eran tres jovencitos muy simpáticos, y su banda se llamaba Ø+yn (Omasín). Esa noche interpretaron un fabuloso concierto que marcaba sus influencias de música pop con el ruido. Pero no fue ruido puro. ¿Y qué es el ruido, o noise?

Siento que, para continuar con mi relato debo profundizar brevemente sobre esto que llamo ruido. Las tendencias más modernas del ruido como género musical o de expresión artística se deben al movimiento de música industrial de la década del 1970. La formación de bandas como Throbbing Gristle —a quienes se le atribuye la invención del termino música industrial—, el LAFMS (Los Angeles Free Music Society), The Haters y los experimentos con el rock post-psicodelia japonesa de Hijokaidan, sirvieron de inspiración para muchos que ya se aburrían con el punk rock y comenzaban a hacer cassettes y música libre, a principios de la década del 1980. Se cuecen proyectos de arte sonoro o ruido, formados mayormente por una o dos personas y en algunos casos formados por colectivos de arte plástico o músicos cansados de las tradiciones del rock. Podemos mencionar a Merzbow (aka Masami Akita) también de Japón, quien comenzó a experimentar con cintas magnéticas en 1979, Francisco López, español, que formó parte del grupo Hunting Lodge, Zan Hoffmann en EE.UU. (incansable experimentador quien hoy posee un total de más de 800 producciones) y The New Blockaders en Inglaterra. Este último es, probablemente, el grupo más interesante en la historia del noise.

Consideré escribir un poco más sobre los orígenes del arte sonoro y examinar la influencia de las compositores académicos como Karlheinz Stockhausen, John Cage o Iannis Xenakis, los futuristas italianos de principios del siglo XX, los creadores de la música concreta y otros experimentadores de “la academia”, pero prefiero mantener foco en las tendencias más corrientes.

El noise o ruido se divide en varios subgéneros:

Power electronics (P.E.)
El género principal. Se nutre de la música industrial. No tiene elementos percusivos, pero si posee ritmo o pulsación. Utiliza la voz, procesada por efectos y sintetizadores. De este género sale el harsh noise. Ej: Genocide Organ, Whitehouse, Slogun.

Harsh noise
Sub-género de (P.E.). No posee ritmo alguno o coherencia rítmica. Se compone de ruidos a mucho volumen y con mucha distorsión. Debe poseer alguna coherencia en su composición y cuidado en evitar la repetición de elementos. Se utilizan pedales de efectos y generadores de sonido. Ej: Merzbow, Macronympha.

Wall noise
Sub-género del harsh noise. Literalmente, la simulación de una “pared” de ruido, preferiblemente sin dinámicas, ni secciones diferentes dentro del mismo “track”. Se caracteriza por temas de gran longitud. Un ejercicio de paciencia. Ej: The Rita, Vomir.

Drone
En los últimos años, se aglomera una gran cantidad de disciplinas sonoras dentro del drone. Composiciones extendidas y usualmente serenas. Ej: Tomas Koner, Emeralds.

Hay otros movimientos y comunidades dentro del noise, pero ninguna es lo suficientemente abarcadora para clasificar. El antes mencionado grupo Ø+yn, cae dentro de la clasificación de grupos o bandas que utilizan el lenguaje del noise dentro de su propuesta, que abarca otras disciplinas como la improvisación libre y el post-rock.

Para finalizar, haré una lista de los exponentes actuales del noise en latinoamerica y una breve descripción de sus estilos, con la esperanza de que los rebusques tú mismo a tu tiempo y escuches sus propuestas:

EYE
Proyecto argentino creado por Guido Flichman, un joven porteño con un gusto impecable por el noise y las composiciones mas complejas. El estilo de EYE es muy amplio, no se limita al ruido harsh o intenso, se pasea entre dinámicas. [sitio]

5ebuts
Ruido áspero desde Chile. Creado por Sebastián Ortiz en Rancagua. También organiza el blog/sello virtual Amigos de la Contaminación Sonora. [purevolume]

ABESTA
Los hermanos Zimmer y Bata viven la Florianópolis (Floripa), al sureste Brasileño y también crean ruido bestial. [myspace]

I/C/O/C
Marcos Hassan vive en México, DF y practica un estilo que utiliza elementos percusivos, pero estos no dominan sus composiciones. Su proyecto posee entonces, un estilo muy particular. [myspace]

AHD
Otro joven proyecto creado en Puerto Rico por Ariel Hernández. Diseñador y programador de día y terrorista sonoro de noche. [myspace]

Armenia
Uno de los proyectos con más longevidad en Latinoamérica, Armenia es la creación de Leo Sabatto, ecuatoriano y reciente emigrante a Estados Unidos. Sabatto es un veterano de la experimentación, con más de 15 años de producciones lanzadas en todo el mundo. Ha colaborado (una costumbre muy típica en el ruido) con otros artistas sonoros como Pain Jerk, Macronympha y Stimbox. [myspace]

Carlos Giffoni
Incansable experimentador venezolano. Hoy reside en Brooklyn, EE.UU. Utiliza sintetizadores y otros artefactos. Es curador del sello No Fun Productions y del fantástico festival No Fun, que cada año atrae cientos de fanáticos del ruido a Nueva York. [sitio]

Otros que merecen mención: Die Ursache (Venezuela), Alter Breitenbach (Brasil), 886VG (Chile – también del portal Latin American Noise Federation), Eº (Argentina), Pablo Reche (maestro del drone argentino), Alan Courtis (ex-integrante de la excelente REYNOLS), Hybrid Frequency (Colombia), Cine Victoria (Brasil), Invicto (Brasil) e Industria Masoquista (Ecuador). De seguro se me han quedado algunos y hay muchos que no he conocido todavía.

Esta interesante lista demuestra como se ha propagado la disciplina del ruido a través de nuestro continente sureño y el caribe.

Entonces, continuando mi trayectoria por tierras argentinas, y ya en mis últimos días de viaje, llegué a la ciudad de La Plata, donde los amigos de la banda Eº (José de Diego, Leandro Barzabal y Cristian Carracedo) serían los anfitriones de mi ultimo concierto en tierras del sur (después de haberme presentado dos veces en Buenos Aires). Los chicos de Eº me invitaron a tocar en el Centro Cultural Dardo Rocha, una gigantesca estructura en el centro de la ciudad, donde se celebraban varios eventos simultáneamente, esa noche también andaban por La Plata los noruegos Golden Serenades (John Hegre y Jorgen Træn, quienes visitaron este país para realizar un proyecto de arte que le tomaría varias semanas en completar) y fueron invitados a hacer un concierto junto a nosotros. Así, comenzamos con las actuaciones individuales y terminamos con una colaboración entre los tres grupos, donde aprovechamos para ventilar frustraciones y cansancio con la destrucción de sillas, mesas, botellas e instrumentos musicales, que volaban por el aire en nombre de las sonoridades resultantes.

Algunos enlaces relacionados: Ruido Horrible (blog), Antena (colectiva brasileña de ruido), Sonora (sello discográfico del autor), Noise Fanatics (foro de discusión), Aloardi (sello discográfico), Hets, Container Inc, Rruido.

SUb es un proyecto que he querido hacer desde mucho antes de lo que me atrevo a admitir. Por un buen tiempo he tenido qué decir, opinar, criticar y explorar, y durante más tiempo todavía he tenido la inquietud por compartir un espacio con otras personas de distintas disciplinas, con el fin de enriquecer la conversación, promover la reflexión y evitar el estancamiento de ideas. Ni siquiera busqué espacios ya existentes. Yo quería otra cosa. Yo quería esto. Lo quería aquí y lo quería en espanglish.

Este blog pretende proveer un foro opinionado de diálogo, crítica y contemplación acerca de aquellos artefactos que construimos y consumimos para definir, cuestionar, mejorar, imponer, expresar y juzgar nuestra condición. Principalmente, discutiremos temas de diseño, música y cultura en general, pero debido a que la experiencia humana no se resume en discusiones que bien pueden considerarse de lujo, siempre habrá cabida para escritos que se desvíen de esta temática. En otras palabras, aquí se escribirá de muchas cosas.

Se unen a este esfuerzo algunas personas cuyas opiniones respeto, cuyo trabajo admiro y cuya inquietud por escribir les ha traído hasta aquí. Poco a poco, en la medida en que vayan publicando sus primeros artículos en SUb, iremos introduciendo a cada uno/a.

Los artículos tendrán mayor presencia en la portada, con títulos grandes y accesibles. Se intercalarán, por otra parte, algunas notas cortas con enlaces recomendados. Estos se distinguirán de los artículos en la portada fácilmente, y permanecerán accesibles mediante nuestro feed, junto a los artículos.

Les invitamos a que lean, interpreten, disecten y disientan por medio de los comentarios. Oh, and spread the word: there’s yet another blog in town.