Recently, Cory Doctorow published an article on BoingBoing explaining his reasons for not wanting an iPad, and why he thinks it’s a bad idea for everyone. While I do not share all of his views, I do share his contempt for the closed system that the iPad will thrive on. But there was one thing he mentioned —a tangent, at best— that caught my eye, and really got me thinking about the freely-exchangeable-content rhetoric:

I mean, look at that Marvel app (just look at it). I was a comic-book kid, and I’m a comic-book grownup, and the thing that made comics for me was sharing them. If there was ever a medium that relied on kids swapping their purchases around to build an audience, it was comics. […] So what does Marvel do to “enhance” its comics? They take away the right to give, sell or loan your comics. What an improvement. Way to take the joyous, marvellous [sic] sharing and bonding experience of comic reading and turn it into a passive, lonely undertaking that isolates, rather than unites. Nice one, Misney.

It seems to me like a lot of people share this view about a lot of things. Yet this line of thinking, this righteous demand that “my rights not be taken away”, sometimes lack a bit of perpective. I used to be able to share [insert cultural product here] back before I did everything online, why shouldn’t I be able to do it online now? And I’d be the first one to defend a pro-sharing stance on many different kinds of cultural products (and I do). But to compare yesterday’s paper-based physical book with today’s infinitely (and perfectly and reliably) copy-able digital file seems conveniently naïve. We’re talking about the same content, sure, but the medium is different, one that offers some advantages for the consumer, as well as some disadvantages.

Before, you used to own something: wood pulp, vegetable inks, and a couple of staples, all arranged in a particular order to represent ideas, which you didn’t own. Today, and were you to consume your favorite graphic stories via a digital medium such as the iPad, all you really own is a license to allow the pixels on your device to emit light in such a way as to display a representation of those ideas (a story, characters, drawings, colors).¹ In both cases, you paid for a medium X as a vehicle through which you gain access to content Y without ever really owning said content. But make no mistake: When you consume your graphic stories via digital means, you are no longer buying comic books. They may still be divided by “pages”, they may still be static images on a flat surface, but that’s about as close as it will ever resemble a book. In essence, you used to buy a medium which inherently granted you a license, while now you’re just buying a license.

I think the anti-DRM, pro-freely-exchangeable-content rhetoric —one I find myself agreeing with more often than not— can do with a bit of its own change-is-inevitable medicine: The rules are different now, a new market is emerging, and while it calls for new business models on behalf of producers, it inequivocally calls for new products and new relationships with those products on our behalf as well. Change —and the inevitable maturity that it requires— does not discriminate; it applies to both producer and consumer.

What does this mean, though? How are consumers supposed to relate to the content they consume on their digital devices? And how do we arrive at a satisfactory commercial understanding with those who offer what we demand? I don’t know yet. We’ve yet to see what new relationships we forge with our favorite content in the near (surely iPad-ridden) future. It remains to be seen how exactly we will relate to these products and how content-producers are to make money out of these relationships. For now, though: If you want to be able to swap comics, I say go out, buy comics and swap the shit out of them. Celebrate your right to swap away.

One of my first exposures to Twitter was through an old friend who keeps various blogs. He explained to me that the reason he signed on to Twitter and maintained an account was the networking potential for herding further readership towards his blogs. So I figured he would twit regularly, maybe two or three times a day, and then post a link to new entries on any of his blogs when the opportunity arose, to get those people already interested in his Twitter content to read his blog posts. Right? Sadly, not so. He simply plugged each blog post using a WordPress plugin that automated the whole process, and that was that. No personal updates, no interesting non-self-serving links, no insight into his personal or professional state of mind. Basically, he was using Twitter as little more than a syndication service. And a bad one, at that, because —unlike RSS or Atom— Twitter isn’t meant to handle the various (and varying) types of content usually found on blog posts.

He was providing his followers with nothing but links to blog entries that bear no formal resemblance to the format Twitter users sign up for in the first place. And he’s not the only one. Plenty of individuals and organizations alike use services like Twitter without really understanding the full potential of the platform, in terms of public engagement. A potential that goes both ways: for better and for worse. Sadly, @dailygalaxy and @nprnews, among many others, use the service as my friend does: as another outlet from which to spew yet another hyperlink to their otherwise extensively syndicated content. In my book, that’s a disservice to their followers, and worse: it’s a disservice to their own agenda.

Am I saying that one should not use a microblogging service to plug one’s blog entries? Absolutely not. What I am saying is that one should, at the very least, consider that the people who sign up to follow one’s updates are in it for the microblogging experience: small snippets of information that can be quickly digested, understood and —in some cases— replied to in a matter of seconds. When an organization or individual makes absolutely no effort to address the formal expectations natural to the medium, they are effectively engaging in —I hate to say it— ye olde switcheroo. That’s just sneaky, and sneaky is rarely a good thing.

A few good examples of Twitter corporate accounts that make excellent use of the medium are @wired, @ALPublicRadio, @DesignOberver, @Typophile and @FrAlternas. Wired, Design Observer and Typophile are linking to their own content all the time, but they also allow their Twitter timelines to show that there are people operating their accounts (as opposed to just some automated system that links to every update on their websites). They follow other users and retweet whatever they find might be of interest to their own followers. Sometimes the authors behind these accounts tweet their personal takes on a given (and relevant) subject. Alabama Public Radio goes as far as to not link to anything on its website. Staff members simply give a heads up on what’s next on their schedule, particularly for their news and talk programs, and they even sign their tweets (a sweet reminder that a very real person at the station —a producer or operator, I like to imagine— is thinking of me at that very moment). The staff at Frecuencias Alternas, a weekly music show on Puerto Rican public radio, answer listener questions and complement their on-air commentary with links to artist websites and articles, aside from automatic tweets that link to their new blog posts.

These, to me, are excellent examples of organizations taking full advantage of a medium and engaging with it the way it was intended to work in the first place: They take part in the greater conversation made possible by the platform and contribute to it, rather than simply polluting the exchange with single-minded, boring announcements that in the end result in little more than noise on my timeline. Yet the most valuable byproduct of doing it right must be that, regardless of the nature of the content they produce, they come accross in a more personable and accesible manner, and that can only be a good thing.

Ayer martes Manuel Clavell Carasquillo publicó un comentario corto en respuesta a una columna que publicara Mayra Santos Febres en la edición del domingo pasado de El Nuevo Día, y si bien de manera tangencial también relacionado a esta entrada en el blog de Félix de Azúa. En resumidas cuentas, Clavell Carrasquillo demuestra un repudio inconfundible por el elitismo cultural que pretende dictar quiénes somos según la obra que consumimos. En palabras más sencillas, creo que el punto es que te puedes meter tu reverse chronological snobbery por donde más incomodidad te produzca.

Estoy de acuerdo con la mayoría de lo que dice Manuel. Si bien el arte nos puede ayudar a crecer como individuos, también lo pueden hacer un sinnúmero de experiencias humanas carentes de valor artístico alguno. Las artes componen una galaxia dentro de un universo de vías hacia ese fin, y elegir las artes para ello no nos hace mejores o más completos seres humanos.

Manuel también expresa que en su opinión la literatura dura ha muerto. También comparto esta opinión en la medida en que “literatura dura” se refiera al trabajo literario (e incluyo las artes plásticas y la música en “trabajo literario”) que sufre de ser catalogado por críticos, connoisseurs y demás curadores culturales como vacas sagradas e intocables que simplemente debemos consumir (claro está: si es que uno quiere sentirse como que cuenta).

En años recientes, se ha discutido bastante (en blogs, revistas, simposios y demás aparatos de diálogo) acerca de la muerte de la industria musical como la conocemos.¹ Las disqueras multinacionales se tropiezan consigo mismas al resistirse y adaptarse —así, de un solo cantazo— a los cambios impuestos por un mercado obsesionado (pérate, no… una sociedad embelesada) por la internet y todo su potencial. Yo estoy convencido que el sello disquero de estos tiempo brillará por su función curatorial (función que muchas disqueras pequeñas han cumplido durante años, pero nunca antes de manera tan prolífera, abierta y mainstream como ahora). La internet está ayudando a marcar la separación de las funciones de distribución y curación, resultando en excelentes beneficios para el consumidor: (a) mecanismos de distribución más cómodos, adecuados y eficientes para (b) agentes curatoriales más especializados.²

Podrían confundirse fácilmente estos dos agentes de curadoría cultural, pero creo que la diferencia que los separa —lo que le quita el poder de convocatoria al primero y se lo entrega a ciegas al segundo— es el renovado sentido de comunidad provisto por la internet.

Mientras que el primero se sienta cómodo a decirle al individuo que —haga lo que haga— debe suscribirse al consenso general para validar sus gustos o intereses artísticos, el segundo se pone los zapatos del individuo y prepara una lista de sugerencias basadas en los gustos compartidos por otros individuos interesados en obras similares. Mientras que el primero pretende que tú te ajustes a una norma, el segundo se ajusta a ti, te da opciones y acepta tus gustos por lo que son: tuyos y de nadie más. El primero habla en términos absolutos; el segundo, en términos relativos.

En una sociedad que recién redescubre el mundo por medio de una tecnología facilitadora de comunicación y conectividad como lo es la internet, la arrogancia que cunde el discurso del curador elitista al que Manuel rechaza se ha convertido en aquello que lo enajena del mismo público al que pretende educar y reprochar de un mismo soplo. Y mientras que esto implica mayor tolerancia por gustos irreparablemente terribles (léase: los Coelho, los Evanescence, y los Bob Ross del mundo), creo que, precisamente por el enfoque en nuestros propios gustos y los de aquellos como nosotros,³ ya no debe alarmarnos tanto (si quiera importarnos) la obra que consuma nuestro oh-tan-insoportablemente-ignorante prójimo. Como dice Manuel,

En cualquier caso, no les corresponde a los letrados definir para qué sirve o deja de servir el arte y la literatura que consumo; tampoco a los incultos. Ello me corresponde a mí únicamente. Me corresponde gozar lo que leo, más el proceso de escoger lo que leo, a mí y a más nadie.

O, como intentó enseñarnos un gran puertorriqueño hace mucho tiempo atrás:

Soy cafre, ¿y qué?

Recientemente, Ezequiel Rodríguez Andino escribió un comentario corto en el blog de Frecuencias Alternas acerca de una nueva colaboración entre Brian Eno y David Byrne. Menciona que, con la reciente tendencia de bandas fenecidas a reunirse luego de varias décadas y hacer todo un espectáculo de ello, le preocupa que esta colaboración (una que envuelve a dos vacas sagradas que imponen muchísimo respeto particularmente en círculos de conocedores de música) redunde en sólo otra reunión más motivada exclusivamente por la ganancia que suele implicar el revivir un proyecto/banda/colaboración que tuvo mucho éxito en el pasado (o cuyo estatus de clásico de culto ha llevado su memoria a algo más grande que la suma de sus partes).

En particular, Ezequiel habla de su preocupación con las motivaciones detrás de las reuniones, expresando que la motivación exclusivamente económica es deplorable para él. Para mí también lo es, o lo ha sido hasta ahora, que su nota —especialmente el intercambio que se dio en los comentarios— me ha hecho pensar más en el asunto, y cuestionar mi propia manera de ver todo este asunto.

¿Es acaso tan malo hacer arte por dinero? Mientras más lo pienso, más comemierda y tonta me parece la idea (que yo mismo he adoptado durante años, aclaro) de que si existe alguna motivación económica detrás de la creación de una obra de arte, la misma no es digna, carece de integridad artística, no es válida o es de alguna otra manera una criatura baja e inmunda. O, como mínimo, menos merecedor de mi respeto o admiración. O sea, es arte, sí… pero no es Arte. Es una idea medio pendeja con ropa de elitista, pero que sigue siendo pendeja.

Citaré al mismo Eno, quien en una conferencia (creo que un TED, pero no recuerdo) dijo algo a modo de “el verdadero arte está en la experiencia, y no en la obra”. La obra no importa, entonces, tanto como la experiencia que el espectador —ese individuo, con su bagaje, su educación, su perpectiva, sus valores, su política, sus convicciones y prejuicios, y todo lo demás que comprende a esa persona— registra al consumir la obra.¹

Si la obra no es protagónica, entonces ¿de qué nos sirve saber su motivación? Bueno, hay mucho que abogar a favor del contexto, y dependiendo de a quién se le pregunte, uno ha de toparse con quienes digan que el contexto lo es todo, que ahí llace el verdadero significado de cualquier obra de arte.² Entonces, cabría argumentar que la motivación detrás de una obra provee contexto —ya que, convenientemente, cualquier información acerca de cualquier cosa provee contexto acerca de esa cosa. Supongo entonces que la pregunta es: ¿por qué nos debe importar? O, en términos menos absolutos, ¿por qué nos debe importar tanto?

Tenemos una relación de amor y odio con el dinero. A todos nos encanta gastarlo, pero por alguna razón tomamos el deseo de obtenerlo como un mal imperdonable, particularmente en lo que refiere a los artistas. Y aclaro: no es que estemos en contra de que nuestros artistas ganen dinero, es que nos incomoda que hagan lo que hacen por dinero, lo cual es muy distinto. Nos gusta que nuestros artistas se mantengan bien peace & love, y que acepten el dinero sólo como un mal necesario para sobrevivir. Por alguna razón, el dinero —ironically enough— abarata las intenciones —y, por asociación, la obra— de un artista, y ya no es genuino.

En mi opinión, se me ocurre que —en particular aquellos de nosotros fanáticos empedernidos de la música, las artes plásticas, etc.— creamos un enlace muy personal con el arte que consumimos. Nos sentimos en parte como que esa obra nos habla a nosotros personalmente, que es un ente que piensa y que nos conoce. Entonces, queremos que la experiencia de crear la obra sea tan sexy sensual para el artista como lo es para nosotros el consumirla. Porque, de otro modo, nos sentiríamos usados, cual colegiala que le soltó el canto a un tipo que le susurró cosas lindas al oído y al final sólo quería meter mano.

Le pregunto a los tres gatos que leen este blog: ¿Creen que el deseo del dinero como parte de la motivación detrás de una obra sea algo engañoso, poco genuino o de alguna otra manera negativo para nuestra evaluación de dicha obra? Si la respuesta es que sí, ¿por qué?