On design & culture.

Archive for the ‘Design (general)’ Category

A Soft Bow in Praise of Shadows

Tuesday, July 21st, 2009

From In Praise of Shadows, by Jun’ichirō Tanizaki. Pg. 11, 3rd paragraph

There is no denying, at any rate, that among the elements of the elegance in which we take such delight is a measure of the unclean, the unsanitary. I suppose I shall sound terribly defensive if I say that Westerners attempt to expose every speck of grime and eradicate it, while we Orientals carefully preserve and even idealize it. Yet for better or for worse we do love things that bear the marks of grime, soot, and weather, and we love the colors and the sheen that call to mind the past that made them. Living in these old houses among these old objects is in some mysterious way a source of peace and repose.

Some time last year, I read a short essay on Japanese aesthetic sensibility written by Jun’ichirō Tanizaki, titled In Praise of Shadows.1 It is a savory read that elegantly and carefully balances reflection and explanation. It exposes an Asian —particularly Japanese— sensibility for beauty from a decidedly nostalgic (yet somehow not overly preachy) perspective. I must, like my friend Alberto, recommend it to my friends and colleagues in creative fields, but I do encourage anybody even remotely interested in aesthetics, design, Asian cultures or beauty to find a copy and devour it.

One thing that took me by surprise was how many of the things that the writer describes as being so intrinsically Oriental, or even Japanese, struck me as terribly familiar. Somewhere between the loving descriptions of dark corners, old pottery, wooden floors and moderate lighting, I was taken back over two decades to a time when, if I was lucky, the floor would creak under my feet, the shadows were rich and textured, the walls were exhaustingly full of family photos, and everything —absolutely everything— had a history that made it. It was an old house full of old things that, in some mysterious way, was a place of peace, of repose.

I grew up in a small ward near where Santurce meets OId San Juan in the island of Puerto Rico, Miramar. It is a beautiful, historical zone that owes its ever-tranquil serenity to narrow streets, remnants of turn-of-the-century architecture and a decidedly small-town feel conducive to long walks, while elsewhere in the city everyone prefers to drive. Near the apartment building I grew up in, just off 656 Miramar Ave., there was a big wood house under an overwhelmingly thick canopy of greenery that turned the harshest daylight into a dim glow casting soft shadows, and made any time of day feel like dusk. I was young, too little to now remember with any sense of certainty, but I seem to remember that the wood was so dark as to appear almost black; no doubt an effect brough upon by the rich shadows of the huge, old trees surrounding the house.

That house was always cool to the touch, always dimly lit and always full of creaks and ruffling and shuffling. Everything in it looked used and dignified, as if the years of wear and tear gave them their value. And I suppose that, in a time when the world was already well on its way towards adopting a lifestyle of disposability, the years of wear and tear did, in fact, give these objects a stoic character that was quickly becoming rare. In a word, the house and everything in it, was rich. I remember this house with a loving warmth, and —out of the so very few things I regret in life— never visiting that house as an adult before it was torn down must be in the top three things I could never forgive myself for.

I wasn’t related to the old lady that lived there. Nevertheless, she was a welcoming neighbor and I was a nosy kid, and so I spent many an afternoon inside and around the old house, with my eternally gracious hostess and sometimes her children, grandchildren and great grandchildren. And no matter how many people were in the house at any one time, it always seemed —if not quiet— serene; like the weight of the old air, the old sounds and the old things inside the old house somehow gave everything an old pause. A pause I have very rarely experienced in my adult life, and one I hope to find again eventually.

Footnotes:

1 It was, like so many things, a suggestion by the ever enthusiastic Alberto Rigau. Available on Amazon ↑

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On Why Syfy is a Good Idea

Wednesday, July 15th, 2009

I’ve been prompted to write on this subject first by the overwhelmingly negative reactions of many a designer, marketing strategist, sci-fi fan and TV viewer, and second by an entertaining rant by my old friend and colleague José Román. Regarding his rant, I will say this: I cannot argue Mr. Román’s points on Sci Fi/Syfy’s programming. I’ll leave those arguments to better-suited critics than myself. My only interest in this is the re-branding. If you’re interested in reading his take on it first, go read it here.

I am by no means a sci-fi man.

Sure, I like Star Wars a lot, and Battlestar Galactica is quite possibly among my top three favorite series of all time. But I am certainly no sci-fi connoiseur to speak with any measure of authority about these texts in the greater context of their genre, or how they compare with others of their ilk. I simply enjoy them for what they’re worth outside of those boundaries, in the arena of popular culture, for whatever literary value they may possess that transcends their genre. So please bear in mind that it is with this utter lack of sci-fi baggage that I approach the re-branding of a sci-fi channel.

First things first

Sci Fi was never really just about sci-fi. It is about fantasy and horror as well. It also seems to be about terrible acting, sandbox directing and low production value, as an inescapable majority of its programming seemed pretty campy (at best) and sometimes downright awful (at worst). In fact, I’d say that most of its programming has helped perpetuate many a clichéd view towards the general (meaning: medium-independent) literary genres of sci-fi, fantasy1 and horror, with sci-fi taking the worst of it as it carried the cross of doubling as the channel’s name.

Sci Fi, as a TV channel name, attempts to justify the channel’s programming. As if having such a no-nonsense, straightforward, clearly descriptive and unimaginative name somehow meant that it expected to be taken seriously. A seriousness that throws into sharp contrast the for the love of all that is good and worthy you can’t be serious-quality of a lot of its programming. In my opinion, the channel’s efforts would be better served by a less boring, less categorizing and more imaginative name; one that doesn’t put the strain of such serious expectations on its programming. Add to that the fact that the channel seems to want to stretch the imagination in any direction, rather than in the direction of science fiction alone, and you have to wonder: What took them so long to change it?

Brand as cultural equity

In fact, I do wonder. And I think it is interesting that the desire to capitalize on a brand system is that brings this cable channel to question their name and force them to re-think the way they project themselves. The company has been very open about the reasons for the name change, and I find these reasons perfectly —and redundantly— reasonable. After all, they are a for-profit company seeking to engage their viewers on a deeper level, and one of the more effective ways to do this is with branding. Yet it is hard to own a brand if you don’t exactly OWN the brand. And I’m not talking about being able to own something in the it is mine and you can’t use it because I’ll sue your ass kind of ownership. That kind of ownership is clearly also a factor in this, but what I’m talking about is the kind of brand ownership that comes from brand equity; the go ahead… knock yourself out trying to use it, but you’ll look like an idiot because you can’t use it as well as I use it and everybody knows that kind of ownership. And that kind of ownership is arguably more important than the legal kind. It’s the equivalent of ‘owning the room’ when you walk into a party: it is yours, and others can’t take it because everybody in the room understands that nobody can strut that stuff the way you strut it, regardless of whether or not you can sue someone for attempting said strut.

As it were, it would be silly of Sci Fi Channel to attempt to own the sci-fi namesake, because —regardless of the fact that it is descriptive of a literary genre, thus not ownable as a trademark— it would be like trying to sell the world on the idea that sci-fi was never really sci-fi enough until the Sci Fi Channel came along. Good luck selling that to the sci-fi zealots.

What if…?

So, Sci Fi is out of the picture, how do you name this sci-fi/fantasy/horror TV channel? Well, its viewers already know it by that sound, sci-fi. The damage, so to speak, is already done. So why not capitalize on what little familiarity we already have? Why not a variation on sci-fi? Why not Syfy? We’ve already heard a million times over why not, but here’s why yes:

  1. it rejects its predecessor’s uptight, serious ways; and
  2. it becomes a clearly distinctive (thus, in both ways described above, totally ownable) brand name while (bonus!) preserving pronunciation.

Syfy, as both the name and the resulting brand/identity, adopts a more imaginative attitude. The conspicuous use of the Ys makes it difficult to take it too seriously and invites speculation, which is excellent because speculation embraces what should be the channel’s core cultural north: What if…? And while one could argue that the point is mute on the side of oral pronunciation (ie. it sounds exactly the same, so it can still be confused with sci-fi the genre), the argument bears little importance: A staggering majority of a viewer’s interaction with the brand is visual. They read and talk about it on blogs, forums, and other means of online (see: written) interaction and they view it on the channel. It’s not like Syfy’s main outlet for advertising is radio spots.2

Playing with your head

I’m sure you’ve noticed that I’m downplaying the fact that the pronunciation is identical, in seeming contradiction with my list of reasons for liking the new name, where I present this fact as a bonus. You see, that’s what fascinates me about this re-branding effort: Preserving pronunciation is not so important for oral discussion, but it is invaluable for your brain. Every time you read Syfy, you hear Sci Fi in your head. It is still that familiar name you’ve come to know and love for many years, but now with a different and (dare I say it?) refreshingly new visual queue. The value of this pronunciation is the familiarity it affords within our own heads, in our personal interaction with the brand, because a great majority of the times we hear the Syfy/Sci Fi name it’s in our heads, as a response to the visual queue that is the logotype or the plain written word. That alone makes Syfy (wacky spelling and all) a much better candidate than killing the idea altogether by choosing a new name that sounds different, looks different and completely starts everything from scratch.

Perhaps that is why it pisses so many people off: The fact that every time they see the visual queue of the written word and the logotype, their brains still make the same imaginary sound: sci-fi. Perhaps an argument could be made that this changing-yet-keeping of the name is a cop out. And while I certainly understand where that comes from, I must say this: Where’s the fun in re-inventing yourself if you’re not gonna acknowledge your past? Syfy winks at its predecessor without binding itself to it. Hell, it even pokes fun at it, and that is very hard to pull off right. This re-branding does it very, very well.

But, why is it so important to own
the brand and capitalize on it?

Because branding is a major factor in the level of engagement you achieve with an audience. Particularly when that audience is not comprised of only TV-viewing spectators, but website-visiting, blog-writing, fan-fiction-creating users looking to intervene with your content. Now, more than ever, it is crucial for Sci Fi to establish a solid brand, especially as they move towards a more involved experience for their online users (webisodes, online-games, show discussions).

Furthermore, as the company attempts to attract more viewers and users, I understand how a wholly ownable brand adds value of growth across other platforms —such as Syfy Kids, Syfy Games, Syfy Films— previously unattainable through a simple name suffix alone.

But the real questions you’re asking are probably these: Why the need for growth? Why change it if it ain’t broke?! And to that I must say: Because the world around them is changing. Content isn’t one linear, easily controllable thing anymore, it is a myriad of inter-referencing, constantly evolving masses of permutating stories in the hands of writers, viewers and users. If they don’t change, if they don’t harness the tools available to them (brand design being but one of many), they will bite the dust.

I, for one, applaud Syfy’s bold, forward move.

Footnotes:

1 Although some may argue that Fantasy is always silly, regardless of the medium. ↑

2 One good point, on the other hand, would be that while traditional radio may not be such a hot medium to advertise or discuss Syfy and its content, podcasts are. Yet I must bring to the table the fact that, like other internet-borne discussion platforms, podcasts are accompanied by enough written and graphic material to offset any confusion as to whether the podcast in question discusses sci-fi or Syfy. In any case, the confusion should be minimal, and the visual weight of the brand is certainly worth it. ↑

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Discouraging Design

Thursday, January 29th, 2009

Graphic Hug has a short write up on a recent Design Week article urging design students to pursue other career options in leu of the economic crisis affecting job availability in various (if not all) design fields. And while I do agree that most professionals should look beyond their chosen fields to land a job in the meantime, I find it rather ironic that so many well-established designers are so adamant in saying there should be less designers in the industry (particularly one Mr. Michael Peters, who complains about there being too many designers doing mediocre work), all the while other professionals and design advocacy groups the world over (like the AIGA) speak about how they wish for design to have an even larger role in business and industry, which —to me, anyway— should mean that the various design fields must grow in population. And I don’t think we can expect any industry to grow without an increase in mediocrity.

It’s simple, really. The more people, the more mediocrity. It has happened in every single profession/vocation I can think of, and design is certainly not the exception.

On the other hand, I agree with Mr. Ian Cochrane:

[…] if you want to design restaurants, it is good to have worked in one or two.

Indeed, our job requires much research, and the more hands-on experience we have, the better. I, for one, have been looking for work in non-design fields that interest me, regardless of whether I wish to design for said industry or not. But Cochrane’s comment helps to add some perspective regarding the benefits that my design career may reap from the recession-schmecession-let’s-just-go-out-and-make-some-moolah jobs I apply for, and the one I shall finally (and hopefully!) land.

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Edward Tufte is to Information Design what Gene Simmons is to Rock & Roll.

Monday, January 19th, 2009

If there ever was a rockstar equivalent in the field of information design, Edward Tufte would certainly be it. It would seem, though, that he shares more than just a metaphorical resemblance to one of rock’s most notorious and legendary gods of its own: Mr. Gene Simmons. Enjoy.

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Esto es el diseño en nuestro país

Friday, August 15th, 2008

En un artículo de Primera Hora (en la sección para la cual solía trabajar hace unos años), el reportero Carlos Rubén Rivera hace eco perfecto de la escasez de cultura de diseño que sufrimos en nuestra isla. Encima de confundir arte y diseño como sinónimos, se atreve a sugerir que el diseño industrial “se ha venido desarrollando, principalmente en Italia, en los últimos años”. También describe la arquitectura como “un arte” que “procura construir espacios dignos de admiración”. Más allá de no tener la más remota idea de lo que es, en sí, el diseño, este reportero —y, me entristece decir, sus editores— ni siquiera parece hacer el ejercicio de investigar un tema antes de escribir acerca de él.

La nota corta pretende promocionar una exhibición de “arte utilitario” que —a juzgar por las imágenes mostradas en el artículo— se pasea entre “arte que es Arte” y “arte que es Artesanía”. Uno de los trabajos es una serie de cajitas de madera cuyo diseño no puede ser más non descript, pero que como el/la artista decidió pintarle unos retratos encima —retratos que me parecen excelentes, a simple vista— entonces por alguna razón se ha apropiado del “diseño” de estas cajas. Y entonces, como por osmosis, su obra de arte resulta que ahora es funcional. Qué fácil es convertir el arte en diseño, ¿no? Sólo hace falta pegarlo de una cosa que sirva para algo y voilà!

No sé si esta confusión entre arte y diseño es una que comparten los artistas partícipes de la exhibición en cuestión, pero no me sorprendería que lo hicieran. Y lo que es peor: no me sorprendería que se les deje sin corregir. A fin de cuentas, muy poca gente en este país se atreve a decirle a un artista que está equivocado, principalmente porque somos unos changos invertebrados, pero también porque dejamos que cosas con aire de high brow, como lo son el “Arte” y todo ese mecanismo de self-importance que suele asociarse con esa escena, nos intimiden.

Mientras el diseño se siga confundiendo con arte, mientras diseñadores gráficos se mercadeen como “artistas gráficos”, mientras le permitamos a los medios intercambiar “arte utilitario” con “diseño industrial” —cuando en realidad se habla de artesanía—, el diseño permanecerá reducido a un ejercicio estético, engañoso y de poca resonancia social, una herramienta más de venta, un recurso desperdiciado. Mientras una cajita genérica con algo pintado encima lleve la bandera de diseño (esa cosa que se originó en Italia, hace algunos añitos), el diseño seguirá reducido a pintura y capota.

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Diseño gráfico ≠ Publicidad

Saturday, May 31st, 2008

Hay algo terriblemente disfuncional con la idea de que el único fin viable para el diseño gráfico es la publicidad. Parece mentira, pero por alguna razón ese parece ser el consenso general en Puerto Rico. Se puede diseñar cualquier cosa, claro, pero no parece tomarse muy en serio a menos que sea producto de un esfuerzo de mercadeo, que mueva un producto o marca, que se pueda medir en números (sean moneda o de índole estadístico). Es como si diseñar cualquier cosa que no redunde en un pitch publicitario fuera más como jugar a diseñador que otra cosa. Trabajar en una agencia de mercadeo, publicidad o agencia creativa1 es “cosa seria”.

Y no es que no lo sea. Por supuesto: la publicidad, el branding y el mercadeo son ejercicios de diseño perfectamente válidos, respetables y encomiables. Sin embargo, estas actividades no resumen el valor ni el potencial del diseño gráfico. Por cierto, son ejecuciones de diseño cuya función se reduce a algo bastante elemental y —en mi opinión— entorpecedoramente repetitivo: vender algo. Y vender a mí me aburre.

El diseño gráfico es una herramienta de comunicación que trasciende las necesidades comerciales de una corporación. El diseño gráfico nos ayuda a navegar espacios, objetos y sistemas; nos permite representar ideas, visualizar conceptos. Es una herramienta que convierte lo abstracto en algo palpable, que abstrae del mundo real para facilitar nuestra comprensión e interacción con él. Educa, facilita e informa.

El ejercicio de diseñar, su ejecución, es una expresión de la inteligencia y la sensibilidad humana, y —como tal— sirve para algo más allá que convencernos de favorecer Colgate sobre Crest, no sólo porque los seres humanos servimos para algo más que vender, sino —más importante— porque servimos para algo más que comprar. Y es imprescindible comprender esta distinción a la hora de determinar el rol que el diseño2 debe tener en nuestra sociedad, porque el mismo no es acerca de qué puede hacer el diseñador, sino acerca de qué necesita el usuario que lo consume.3

Creo que este —el valor de mayor importancia para el diseño: lo que el mismo representa para el usuario— brilla por su ausencia en nuestra idiosincracia, nuestro diálogo popular; y pienso que en gran parte es por ello que pecamos de la ya mencionada falta de cultura de diseño en nuestro país. Combinamos esto con nuestra obsesión con el comercio y lo que obtenemos, entonces, es un excelente recurso terriblemente desperdiciado.4 Y, por supuesto, es de esperarse: encajonar lo que no conocemos, limitar su viabilidad y usabilidad a un contexto estrictamente comercial, es una reacción propia de una sociedad entorpecida por el comercio.

Si, como he discutido en este blog anteriormente, fuéramos a organizar un esfuerzo de concientización, educación y diálogo en Puerto Rico acerca del diseño, su éxito sería directamente proporcional a su efectividad para inyectar el valor funcional del diseño —la capacidad que tiene para mejorar nuestras vidas en distintos niveles que trascienden lo puramente estético y lo puramente comercial— en nuestro diálogo popular.

Pero, ¿será esta sociedad obsesionada con el comercio capaz de redescubrir el valor del diseño fuera de ese contexto comercial? A mí me gusta pensar que sí.

Footnotes:

1 Muchas veces un popular eufemismo para “agencia de publicidad con ínfulas artsy fartsy”. ↑

2 Y aquí hablo del diseño en todas sus disciplinas. ↑

3 Aquí utilizo el verbo consumir, pero el mismo no debe confundirse con el concepto de comprar. Me refiero a la acción de consumir, incluyendo el consumo comercial así como el no comercial. ↑

4 And make no mistake about it: el diseño es un recurso natural del ser humano. Más que eso, es un recurso renovable y perfectamente sustentable. Talk about win-win. ↑

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Redefinición: AGARZOLA

Saturday, April 5th, 2008

Recientemente he estado pensando mucho en qué es exactamente lo que yo hago, y cómo eso se relaciona con quién yo soy. Eso se lee alarmantemente existencialista, pero haré todo lo posible por no irme en un viaje muy insoportable.

En particular, me siento como que la mayoría del poco material que tengo digno de portfolio es muy viejo para entusiasmarme, y el chispito que resta son piezas que 1 He trabajado en conjunto con alguien más; o 2 Por las razones que sean no las veo como representativas del trabajo que me interesa hacer. La primera condición no me preocupa mucho. La colaboración me parece muy saludable y creo que se presta para trabajos buenísimos. Sin embargo, encuentro que mi colaboración sirvió más para lograr realizar (y realzar) la visión del otro diseñador (y a mucha honra), y por ende no encuentro que sea un ejemplo digno de mi trabajo como diseñador.

La segunda condición, por otra parte, es la más molestosa. Tengo piezas que he diseñado recientemente y que han quedado muy, pero muy bien. Desde el concepto inicial, hasta la ejecución final de la imprenta, todo refleja una atención y cuidado excepcional. Pero me rejode que, por más cariño que les puse y más orgulloso que me sienta de lo logrado, no representan para nada el tipo de trabajo que quiero hacer. Trabajé en esos proyectos porque eran lo que había, y aunque no me quejo de ellos, sí tengo que admitir que —dada la opción de haber trabajado en ellos o uno del sinnúmero de medios que realmente me interesan— hubiera preferido trabajar en otra cosa. Es decir: quedaron bien, sí —pero no me importan. Y como no me interesa salir a buscar ese tipo de proyectos, pues no me interesa ponerlos en mi portfolio.

Ahora que estoy trabajando en un estudio de diseño, tengo la inquietud de rediseñar mi portfolio online por enésima vez para presentar algo que sea representativo no de lo que “puedo hacer” (entiéndase: regardless of whether or not I like it), sino de lo que “quiero hacer” (entiéndase: regardless of whether or not I get paid for it). Quiero diseñar libros (por dentro y por fuera), afiches y discos de música. Quiero diseñar piezas experimentales de comunicación y diseño de información. Quiero diseñar cosas que me importan.1 Y quiero diseñarlo todo por mí y porque sí.

Entonces, ¿con qué material diseñar un portfolio nuevo, si no tengo qué demostrar? Trabajo viejo tengo, sí, pero ya yo estoy harto de mirarlo, y sospecho que las par de personas que conocen mi trabajo están hartas también. El trabajo que hago en el estudio en el que trabajo me parece muy bien, pero es el tipo de trabajo comercial con el cual prefiero tener una relación limitada a lunes a viernes, 9:30 a.m. – 6:30 p.m. Seguramente algún proyecto del estudio eventualmente apelará a estos intereses personales, y no me cabe duda de que el trabajo que hacemos allí me está ayudando a pulir muchísimas destrezas que emplearé luego en mi carrera. But the fact remains: es trabajo súper comercial y, aunque bonito y de buen gusto, no me parece terriblemente interesante.

Ahora que al fin he terminado con prácticamente todos los proyectos comerciales de mi práctica independiente (sólo resta cerrar un último proyecto), tengo la misión de dedicarme a consegiur proyectos que me interesen en medios que me apasionen. Desde ahora en adelante, y hasta nuevo aviso, mis prioridades de diseño personal (entiéndase: el trabajo que hago por mi cuenta, independientemente del estudio en el que laboro día a día) son las siguientes:

  • Diseñaré una página sencilla en la que mi portfolio comenzará desde cero.
  • No incluiré trabajos anteriores hasta sentirme satisfecho con el trabajo corriente, para así no recostarme de “victorias pasadas”. Esto quiere decir que todo lo que he trabajado antes de la fecha de hoy no tendrá lugar en este nuevo portfolio online, hasta algún futuro lejano en el que el trabajo creado desde ahora en adelante sea sustancioso y satisfactorio, y añadir una pequeña muestra de trabajos viejos (pre-hoy) añada valor meramente hitórico, como un aparte pequeño al portofolio.
  • Iniciaré (y auto financiaré) proyectos míos que he tenido en el “back burner” desde hace algún tiempo, y no esperaré a que se asome algún proyecto comisionado por un tercero para entonces explotar estas ideas.
  • Intentaré diseñar cosas para ser usadas por (o que interactúen con) otras personas. Piezas que simplemente se producen, se publican en un portfolio y se archivan, para jamás ser vistas ni utilizadas por más nadie me parecen un ejercicio que redunda en encerrona creativa. Y para encerrarse, es mejor ser artista.
  • Haré mejor uso de mis libretas. En los últimos meses he cogido un relajito de andar usando mis sketchbooks para apuntar porquerías. No es que eso esté tan mal, pero debo hacer un esfuerzo consciente por darles el uso que merecen, y por el cual las compro: para dibujar, plasmar ideas y coleccionar cosas, frases y diseños que me interesan guardar para la posteridad. El número de teléfono de fulano y las medidas del mueble que el pana quiere comprar pertenecen en cualquier otro artefacto que no sea mi libreta. Y punto.
  • Por el aquello de obligarme a dibujar más y usar mis manos para plasmar ideas en vez de querer hacerlo todo sentado frente a una máquina, crearé un espacio de “sketches” en el que publicaré imágenes extraídas de mis libretas. “Doodles”, “layouts”, letras y otras ideas que se vean interesantes y que puedan ser relevantes para aquellos que visiten mi portfolio buscando conocer mi trabajo.


Y con esto, doy inicio a mi nuevo portfolio, uno que pasa de ser un retrato estático, frío y aburrido de mis proyectos, a ser un proyecto de diseño en sí con funciones que trascienden la mera muestra de mi trabajo. Un proyecto tan dinámico, y vivo y orgánico como los trabajos en los que pretendo embarcar de ahora en adelante. Un vehículo de razones para crear cosas mías y desarrollarme en la direcciones que me interesan. Esto es mi Portfolio.

AGARZOLACERO
Footnotes:

1 Quiero diseñar letras también, aunque eso es una disciplina que ocupará años de mi tiempo libre y no será hasta dentro de algunos años que tendré algo listo para publicación formal. Y con eso no tengo problema alguno. ↑

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Doral: jaqueca

Monday, February 11th, 2008

No pretendo tener la autoridad de colegas diseñadores cuya experiencia y conocimiento les precede, pero me aventuraré a hacer mi primera crítica de diseño en este blog: La nueva identidad de Doral Bank me da jaqueca.

Luego de varios años de investigaciones, tropiezos legales y financieros, rumores feos y realidades que resultan más feas que los rumores, la imagen de Doral Bank al fin parece haber llegado a un punto tan bajo que ya no le queda de otra que volver a subir. Y con eso en mente, se avientan a la movida más predeciblemente torpe y, a la vez, más inesperadamente mal ejecutada que yo haya visto en algún tiempo. Veamos…

Comparación: logotipos de Doral Bank

Pues, pareciera que algún ejecutivo (o grupo de ejecutivos) dijo: Quiero “otra cosa”. Quiero el opuesto exacto de la imagen corporativa que hemos tenido hasta ahora. ¿El resultado? Precisamente eso, but with a twist. Donde solía haber una ‘d’ mayúscula, ahora hay una minúscula. Donde hubo un color vino, ahora hay un azul turquesa. Donde había un ícono dominante, sólido y —si bien no muy balanceado— de convicción indiscutible, ahora hay una triste letra castigada e incómodamente amarrada en un círculo (ver imagen más abajo) que ni siquiera tiene la convicción de relacionarse a su prisionera con un grosor digno de llamarse prisión. Como identidad gráfica, es el perfecto opuesto de su predecesor. Y todo lo que hacía a la marca anterior, destruye a la presente.

But wait, there’s more! Lo más difícil de digerir acerca de esta nueva dirección gráfica de la mencionada institución bancaria es la manipulación gratuita de las letras ‘d’ y ‘a’ en doral. Esta modificación no parece responder a necesidad tipográfica, pictórica o estética alguna, fuera de “por joder”. Es casi como si afear los glifos fuera parte de una torcida noción del branding en la que ser diferente de alguna manera redime el simple hecho de que se es feo con cojones. Por otra parte, la alteración es una que, por naturaleza, sólo puede aplicarse a esas dos letras dentro del nombre, de manera que —encima de que se hizo una modificación que parece ser aleatoria— la misma se hizo a las letras que aplicara, como sea que aplicara, y sin prestar atención alguna a cómo esto puede afectar las relaciones de esas letras con las demás que le rodean. No se intenta balancear o conciliar la incomodidad creada, sino que se deja así, como si el no tener una buena razón de ser automáticamente la convirtiera en diseño provocador, o algo por el estilo. Es terrible.

Pero no bastaba —claro— con hacer una alteración innecesaria a las letras. Era necesario hacer dos. Había, de alguna manera, que entorpecer aún más la marca por medio de aún más desastres tipográficos. Parece ser que, en el espíritu de balancear “lo que pasa abajo” con “lo que pasa arriba”, se tomó la decisión de eliminar la modulación de la ‘d’ original de Avenir (fuente tipográfica de la cual partieron para este logotipo), resultando al fin en una ‘d’ anormalmente monótona al compararse con letras cuyos grosores naturalmente modulan notablemente, como la ‘r’ y la ‘a’.

Banner: DoralBank.com

En lo que concierne al sistema de identidad que rodea este logotipo, encuentro entorpecedor el uso de lo que parece ser algún tipo de Helvetica (a veces redondeada) para acompañar un logotipo cuyos glifos tipográficos se distinguen por detalles pequeños y a la vez muy característicos. Por ejemplo, comparemos la ‘a’ de doral (que parece salir de Avenir) con la ‘a’ de parte (que se ve como una versión forzosamente expandida de Helvetica). Las diferencias son lo suficiente como para poder distinguir una de la otra, pero no como para crear un contraste saludable, fuera del grosor de las letras. Entonces obtenemos una combinación de muy poca convicción y muy poco carácter.

A fin de cuentas, la nueva identidad es aburrida, torpe y tímida. Se esfuerza tanto por ser distinta a la marca que le precede, que resulta ser el producto de un proceso de pudor y oposición que mira nerviosamente hacia el pasado, en vez de un proceso de reinvención que busque forjar un futuro.

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Diseño en conversación:
La conversación como diseño

Wednesday, December 12th, 2007

En meses recientes he ido aprendiendo, poco a poco, a apreciar el valor de la discusión entre diseñadores. El discurso es algo a lo que suelo tratar con pinzas, pero la conversación –el intercambio genuino de experiencias positivas y negativas, de ideas buenas y malas, de opiniones prácticas y académicas, y de bromas y demás ritos de confraternización– me parece un ejercicio que redunda siempre en algo positivo para uno como individuo que practica el diseño.

Supongo que puede ser positivo para cualquier vocación, pero en la música –por ejemplo– nunca tuve una discusión particularmente enriquecedora para el proceso creativo musical. Igualmente (o, peor aún) con la fotografía, en donde al parecer el celo y la eterna búsqueda de aquello que llaman “edge” parece reinar en cualquier discusión entre profesionales, en mi limitada experiencia.

Recientemente participé del simposio de diseño de la escuela graduada de NC State, en Raleigh, North Carolina, (en donde actualmente estudia mi amigo y colega Alberto Rigau). El mismo fue titulado OptionShiftControl, apropiado nombre para un evento tratando el tema del control en los sistemas que diseñamos. Siendo este mi primer evento de diseño –fuera de algunos certámenes y un expo anual local que verdaderamente no tiene relevancia alguna con el diseño, a pesar de anunciarse como tal–, debo admitir que ahora me siento que debo atender algún evento como este al menos dos o tres veces al año. La experiencia no sólo fue enriquecedora, sino divertida y refrescante. Salir de esta gran escena del diseño en Puerto Rico no tiene precio, y ayuda a preservar el poquito de cordura que hace falta para mantenerse funcional dentro de un mercado que aplaude y a veces glorifica la mediocridad.

Más allá de las numerosas charlas y talleres ofrecidos por el estudiantado graduado de la escuela, las conversaciones de las que formé parte como algo satélite, o colateral, al evento de diseño en sí no tienen precio. Conversé con diseñadores como yo, aún con carreras muy jóvenes, con otros de más experiencia, pero que nunca han corrido estudios pequeños propios (que siempre han trabajado como creativos en corporaciones medianas o grandes), y con otros cuyas experiencias, sabiduría y trayectorias les preceden.

En particular, tuve la oportunidad de conocer y conversar a fondo con el Sr. John Bielenberg, fundador de la firma de diseño C2, con sedes en San Francisco, CA y la ciudad de Belfast, en el estado de Maine. Más interesante aún es su inspiración en el proyecto Rural Studio1 para crear Project M,2 un taller anual en el que reune a selectos candidatos (generalmente estudiantes, y no siempre diseñadores) para visitar alguna ciudad cuyos problemas sociales sean inevitables, y allí enrollarse las mangas, disectar el problema y buscar soluciones (o, al menos, mejoras) empleando sus conocimientos en sus respectivas disciplinas, y quizás fuera de ellas (todo dentro del muy limitado marco de un mes de taller).

Durante nuestras conversaciones (en las que participaron Alberto Rigau, su hermano Armando, y su compañero de maestría Matt Muñoz, entre otras personas), pude apreciar que Bielenberg no busca glorificar su proyecto, ni pulir sus intenciones para que se vean como un esfuerzo fríamente calculado que parte de alguna sabiduría divina. Todo lo contrario: tanto en conversaciones íntimas como en charlas formales, John presenta su proyecto con sus berrugas, inconsistencias y fracasos. Y sus intenciones son tan puras como imperfectas: explica que Project M es una exploración de diseño para él también, y que muchas veces los estudiantes miran hacia él en busca de alguna dirección, o alguna idea, y él sólo les puede ofrecer la misma cara de perdido con la que ellos le buscan en primer lugar.3

A todas estas, el simposio como tal tenía como tema el espectro de control (el control absoluto de un diseño sobre la manera en que sus usuarios han de desenvolverse dentro el mismo vs. el control absoluto de un usuario para no sólo manipular el sistema diseñado, sino inclusive ignorarlo completamente, o en partes; y todo lo que caería entre medio de estos dos extremos). El éxito del evento, creo yo, se debió a que contó con un balance comedido entre charlas formales y talleres más pequeños en los cuales se tocó este tema en varios planos, desde unos muy prácticos y palpables, hasta otros considerablemente académicos y (a veces) muy por encima de mi capacidad cognoscitiva. Más allá que un grupo de eventos pequeños que bombardearan a uno como espectador, el simposio fue una gran conversación como en capítulos que involucró a uno como participante.

Entonces además de conversar acerca del diseño en este evento, se empleó la conversación como parte vital del diseño del simposio. Y esa, creo yo, ha sido una de las lecciones más valiosas que aprendí en OptionShiftControl: el valor de la conversación como herramienta de diseño, aún cuando conversamos acerca del diseño. Este conocimiento nada más hizo de mi viaje una inversión difíclmente cuantificable en mi vocación como diseñador, y por ello soy muy agradecido.

Footnotes:

1 Estudio de arquitectura en el que cada año participan estudiantes de primer y tercer año de arquitectura de la universidad de Auburn, en Alabama. Su intención es poner el conocimiento y método arquitectónico al servicio de las comunidades marginadas (es decir: indudablemente pobres) de Hale County y condados adyacentes. Originalmente fundado por el Arq. Samuel “Sambo” Mockbee, el mismo es dirigido actualmente por el Arq. Andrew Freear, quien da la casualidad dio una charla el lunes luego del simposio en el mismo NC State. La misma fue impresionante nada más que por el volumen ridículo de proyectos realizados por Rural Studio. Son tantos, y tan buenos. Y, al igual que con Project M, los mismos no pretenden dar cátedra de humildad. Aunque la intención principal es ayudar a estas comunidades, la realidad es que muchos de los proyectos redundan en unas pajas mentales increíbles y preciosas, pero que bien pudieron hacer mejor uso de los recursos para algo más funcional. Freear hizo una presentación muy amena y accesible, y que sirvió como un showcase muy sincero del trabajo que se intenta hacer en Rural Studio, así como lo que al final se logra hacer en él. ↑

2 Además del sitio web oficial, pueden aprender un poco más leyendo este interesantísimo relato de uno de los participantes este año, publicado recientemente en Speak Up. ↑

3 Quizás en un artículo futuro me siente a comentar acerca del difícil desempeño del diseño gráfico como herramienta social. En particular, lo fácil que es caer en el emblemático renglón de la educación acerca de los problemas y cómo solucionarlos, y cómo creo que hace falta también prestar atención a cómo puede el diseño gráfico ayudar más allá de concientizar, interviniendo directamente con el problema y las personas que lo padecen. ¿Cómo? Pues ya lo dije: es tema para otra intervención. ↑

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Interrumpimos este
programa:

Tuesday, December 11th, 2007

Tan inesperadamente como suelen suceder estas cosas, recientemente se ha concretado una oferta bastante seria (y bastante atractiva) por parte de una diseñadora puertorriqueña cuyo estudio está por llevar al “próximo nivel”; entiéndase: invertir un montón de dinero en taller, equipo y talento para así crecer y pasar de estudio de diseño a firma de diseño. La diferencia es más que semántica, por supuesto. Se puede trabajar en mayor cantidad de proyectos, justificar presupuestos más generosos (lo que, a su vez no garantiza –pero si promueve– proyectos más elaborados y experimentales), y colaborar con un grupo de creativos que traen algo muy distinto a lo que una sola persona puede dar.

El punto es que todo esto me ha servido de espejo, por así decirlo. Me he visto a mí mismo, y me he visto asustado. Le tuve miedo a abandonar mi práctica y mis clientes. Le tuve miedo a no contar con la libertad que cuento como freelance. Le tuve miedo a varias cosas, y todavía tengo un poco de pudor. Pero luego de varios rodeos en mi cabeza, varias conversaciones con amigos y colegas más que nada, me doy cuenta de que mi verdadera preocupación es algo muchísimo más tonto, pero que es de esperarse: tengo frío olímpico. Sencillamente eso, miedo a cagar la oportunidad.

Ya la decisión está tomada. Dentro de poco comienzo una nueva etapa en mi vida profesional junto a una diseñadora gráfica cuyo trabajo es muy distinto al mío, y cuyo método parece ser algo completamente ajeno a mi experiencia previa. Como mínimo, será interesantísimo. Pero espero mucho más que eso. Espero tener la oportunidad de trabajar proyectos más significativos que los que he trabajado en mi práctica privada, y así crecer como profesional y como individuo que diseña.

Es mi intención, entonces, anunciar que este blog, además de lo que ya se tenía pensado, también fungirá como espacio de reflexión ante esta nueva etapa de mi carrera profesional y trayectoria personal. Espero publicar reflexiones y comentarios acerca del proceso creativo en un espacio colaborativo de diseño, así como las lecciones aprendidas en lo que comprende el manejo de clientes mayormente corporativos.

A su debido tiempo pondré un enlace al (aún inexistente) sitio web de la nueva firma, con nombres, apellidos, etc.

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